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jueves, 17 de agosto de 2017

CINE: BABY DRIVER de Edward Wright

USA 2017
Ansel Elgort. Lily James. Jamie Foxx. Jon Hamm. Kevin Spacey. Elza Gonzalez. Jon Bernyhal. Ben VanderMey.

Generalmente se usa el término "americanada" para definir un tipo de película adscrita en fondo y forma a una forma de hacer del cine de Hollywood vinculado a los grandes estudios.
En justicia, también hablamos de "españolada" pero no de "britanicada", "francesada" o, ¿porque no? "rumaniada" o " polacada".
En todos estos países existen unas características singulares que se reflejan en su arte y consecuentemente en su cine. Pero en ningún caso, se asumen dichas características de forma tan negativa como cuando se refieren al modelo americano.
Lo cierto es que se ha vuelto muy cultural despreciar lo que proviene de allí, especialmente si se hace con mucho dinero. Parece que el talento tiene que ser pobre.
Esta introducción viene al caso porque Baby Driver reúne todas las condiciones para ser considerada una "americanada".
Si una película se ha parecido alguna vez a un videoclip, ha sido esta. Si alguna película ha sido "cool", sin duda, es esta en su primera parte, antes de hacerse más oscura. Si ha habido últimamente alguna capaz de manipular el audiovisual, se lleva el premio; pocas se atreverían a imaginar una lavandería como una galería de arte.
Derrocha dinero.
Su trama peca de poco creíble en no pocas ocasiones.
Y de todo lo dicho anteriormente, sorpresa, no debe de deducirse una crítica negativa.
Porque Baby Driver está muy bien hecha y se convierte en un entretenidísimo producto, novedoso en muchos aspectos desde el punto de vista de su realización.
Baby es un muchacho que cometió un error en su vida y lo está pagando, al servicio de un mafioso. Es un buen chaval fruto de una infancia traumática. Es un conductor furioso y único y totalmente dependiente de la música que siempre le acompaña en sus cascos.
Conocer el amor llega paralelo a las complicaciones derivadas de un nuevo gánster, un demente que Foxx interpreta con magnetismo.
A partir de ahí, todo se precipita y ocurre lo que tenía que ocurrir: la oscuridad.
Wright decide convertir el film en un ejercicio de creación que aporte singularidad a lo que podría ser un noir convencional. Lo hace creando una estética de una artificialidad absoluta y estilizando a los personajes hasta el arquetipo.
Los códigos clásicos del género están aquí y son perfectamente reconocibles, pero se cruzan con otro tipo de cine más en boga.
Baby podría ser casi un superhéroe con poderes y los malos, villanos de Marvel.
El resultado, ya lo he dicho, es entretenidísimo desde el punto de vista narrativo pero también asoma un autor potente.
Entre los aspectos negativos, que a películas que empiezan enganchándonos los ojos de una forma tan directa, le cuesta mantener ese nivel de atención. Aquí se consigue mutar desde el atractivo visual a la tensión narrativa.
Y su para mi principal fallo es que le cuesta terminar.
Más allá de todo eso, Baby Driver es mucho más que cine de verano. Habrá que esperar cuando menos con curiosidad las próximas entregas de su director.

Público

miércoles, 16 de agosto de 2017

NOVELA: EL MAPA DEL TESORO ESCONDIDO de Mo Yan

Kailas
128 páginas
También disponible en ebook.

La escritura de Mo Yan es torrencial.
Un alarde narrativo dentro de una ilimitada imaginación capaz de vincular el presente y la Historia a la leyenda.
Sus obras parecen cuentos cercanos al realismo mágico pero que, como aquel, sirven de soporte al análisis de la situación de su país y del origen de su cultura y su sociedad.
También tiene mucho del contador de historias, esa disciplina en la que Isak Dinesen, Karen Blixen, era maestra y que enlaza historias, engarzándolas con una agilidad que consigue que en momentos nos olvidemos de como hemos cambiado de entorno.
El mapa del tesoro escondido puede parecer una obra menor, especialmente por su longitud y el estatismo de su desarrollo.
Un monólogo de quien un día encuentra en la calle a un antiguo compañero que, convertido en un gorrón con el arma de ser el fantasma del pasado de este funcionario acomodado, se invita a ser invitado a un almuerzo.
A partir de ahí, el monólogo adquiere una segunda voz.
Pues bien, esta obra en apariencia menor, se abre entre nosotros con todo el colorido interior y exterior habitual en su autor, pintor de tonalidades totalmente nuevas que se mueven entre la tradición y la magia.
Príncipes legendarios, animales mitológicos, truhanes y pícaros.... todos tienen cabida en este centenar de páginas.
Una gozada.
Pequeña gozada pero gozada.
Viaje en tiempo y geografía.
Mo Yan es uno de los Premios Nobel de Literatura más acertado de los últimos años.

Público 

domingo, 13 de agosto de 2017

NOVELA: LA SUSTANCIA DEL MAL de Luca D'Andrea

Alfaguara
475 páginas
También disponible en ebook

Dentro de la avalancha de novela negra que desde hace unos años asalta las librerías ( y que está consiguiendo sin duda ampliar el número de lectores, como ocurrió no hace mucho con la novela histórica ), es necesario separar el polvo de paja.
Entre los reconocidos por crítica y público, personalmente tengo problemas con algunos como Jo Nesbo o Joel Dicker. Creo que sin duda son trabajadores entregados e inteligentes. Construyen novelas muy elaboradas y sin duda fruto de gran dedicación. Pero personalmente las veo más como artefactos que como novelas. Configuran estructuras tan complejas ( y alabadas ) que creo que se convierten en su razón de ser y terminan ahogando la humanidad que es lo que, a mi entender, hace grande el género.
La sustancia del mal es la primera novela de su autor en este ámbito y se ha convertido en un inmediato best seller. No es raro. Tiene condiciones para ello.
La trama se enmarca en un paraje aislado en Los Alpes. Un lugar remoto con mucho pasado y una comunidad cerrada, capaz de protegerse frente a la intromisión exterior y de proteger sus secretos.
Porque siempre hay secretos del pasado. Y muchas heridas sin cerrar que han ido supurando en el interior y que alimentan odios mucho más peligrosos que aquellos que estallan.
En este caso, ese secreto está relacionado con un crimen múltiple ocurrido treinta años antes de forma atroz. Un suceso al que el protagonista y narrador se enfrenta tras sufrir un accidente trágico y traumático en la montaña.
El autor alcanza altas cuotas de maestría en el desarrollo de la trama, tanto en los aspectos íntimos como en los policiacos. También realiza un muy buen trabajo en dotar al entorno de una personalidad casi mitológica.
La novela engancha durante todo su desarrollo.
Sin embargo, es al final donde se me pierde un poco y esto está relacionado con lo que decía al principio.
El autor crea una sólida estructura en la que encaja todas las piezas, pero, como siempre me ocurre en estos casos, siento que hay piezas de más, y que se alarga en capítulos que por no necesarios, llegan a resultar poco creíbles. A mi entender, lo que parece querer dar una dimensión mayor al conjunto, termina entorpeciendo su agilidad, algo que, hasta ese momento, había funcionado muy bien.
Al margen de esto, La sustancia del mal está por encima de la media, es muy entretenida y una muy buena lectura de verano.
Quizás se pueda apuntar que es la primera obra de su autor y por supuesto, si sigue por esta senda, apunta excelentes maneras.
En cualquier caso repito, es personal, la mayoría de los lectores han encumbrado a Nesbo, Dicker y ahora a D'Andrea a las listas de libros más vendidos.
Manías mías.

Público

viernes, 11 de agosto de 2017

TERELE PÁVEZ, ADIOS


Pues la verdad es que Terele Pávez era una actriz que me caía muy bien.
Era una intérprete singular.
Su caligrafía era única.
Su mirada, su voz, su gestualidad.
Terele Pávez era siempre Terele Pávez pero también era capaz de ser muchos otros personajes en una alquimia que sólo consiguen los grandes.
Lo supo Alvaro de la Iglesia, pero también muchos otros, como Gerardo Vera que nos la regaló en El Cojo de Inishman, creo que una de sus últimas apariciones en teatro.
Pero también tuve siempre la sensación de que era una mujer honesta, una persona de ley. Dedicada a su oficio y a su gente. Aun recuerdo su dedicatoria al recibir el eternamente merecido Goya a su hijo. Una preciosidad llena de corazón.
Tuvo que pasar como tantos por un ataque carroñero de la prensa rosa, intentando buscar más basura, pero gracias a Dios duró poco aunque estoy seguro de que para ella fue doloroso.
Yo siento que se haya ido. Quiero desde aquí decirles a sus seres cercanos que no sólo ellos la admiraban. Que la vamos a echar en las pantallas y en los necesarios.
He encontrado esta foto. Está guapa. Lo era.

Público

SERIE DE TV: THE CHURCHMEN ( AINSI SOIENT-ILS )- TEMPORADA 2 de Bruno Nahon

Francia 2014
Directores.-
Rodolphe Tissot. Elizabeth Mane. Olivier Pont.
Intérpretes.-
Thierry Gimenez. Julien Bouanich. Samuel Jouy. Clement Manuel. Jean Luc Bideau. Nicolas Beaucaire. Celine Cuignet. Clement Roussier. Gauthier Baillot. Jacques Bomnaffe. David Baiot. Yammick Renier. Guy Denize. Jacques Develay. Frans Boyer. David Chenaud.
Duración.-
8 episodios
50 minutos c.u.

Finalmente he decidido continuar y no me arrepiento.
Con todas las dudas que me pudiesen surgir a raíz de la primera temporada, y a la espera de culminar la serie con la tercera y última, The Churchmen es un producto de calidad, muy bien escrito y sobre todo con una excelente realización capaz de integrar lo espiritual y lo mundano.
Ya sólo quedan cuatro de los cinco seminaristas que iniciaron el camino de formación en Los Capuchinos, uno de ellos, relegado a una silla de ruedas.
El Padre Bosco ha tomado las riendas y se ha incorporado el Padre Abel, que bajo una apariencia amable esconde una clara ambición.
En este escenario, se seguirán desarrollando las vocaciones y las dudas, unidas a las inclemencias del entorno cotidiano. Creo que es aquí donde The Churchmen obtiene su mayor valor. No está cerca de un planteamiento convencional, sino que nos ofrece la posibilidad de plantearnos cual es la forma adecuada para que hoy día la religión y, en definitiva, la espiritualidad, conviva con los retos de una sociedad que camina hacia adelante con un ansia absoluta hacia la libertad personal y el desconcierto de quien no conoce el camino.
Pero no es este el único nivel en el que se mueve la serie. Como en la temporada anterior, existe otro, más oficialista, por definirlo de alguna manera, y que se centra en la Iglesia como institución y, porqué no decirlo, como empresa.
Está claro que una serie sobre la Iglesia hoy día no podía dejar de ser crítica y es ahí donde esa crítica se hace patente, no en las almas particulares que, con mejor o peor acierto inician su búsqueda, sino en la infraestructura que parece convertir la llamada que han recibido en un instrumento para acrecentar el poder.
En este área, que terminará involucrando al Seminario de Los Capuchinos y siendo fundamental en su futuro, la base es la quiebra económica de la Iglesia de Francia y la necesidad de buscar vías de financiación, tarea que deberá de emprender el nuevo presidente de su Conferencia Episcopal. Una vez más, es aquí donde encuentro algún apunte de caricatura que me molesta por lo que tiene de ideológico y por el poco encaje que tiene el esperpento en una producción tan cuidadosa con el resto del contenido. De todas maneras, es necesario apreciar que es menor que en la anterior temporada y que permite abrir un debate sobre los intereses económicos del Vaticano y sobre el deber, cuando este puede estar por encima de lo que se entiende como correcto.
Considero que, fallos aparte, y sin hablar de los aciertos de la producción, es muy interesante que una serie de televisión se haya atrevido con un tema por un lado tan poco popular y por otro lado, tan difícil.
El éxito es conseguir una llamada a la reflexión y también el reconocimiento de un tipo de creyente comprometido y adaptado al mundo que nos rodea.
También, convertirlo en un artefacto narrativo que, lejos de aburrir, llega a resultar apasionante.
La valentía y el respeto conjugan muy bien en este caso.
Dentro de poco comentaré la tercera.

Público.

martes, 8 de agosto de 2017

NOVELA: EL DOMINGO DE LAS MADRES de Graham Swift

Anagrama
168 páginas
También disponible en ebook.

En ocasiones me cuesta no ver a este grupo de escritores ingleses como un conjunto, Swift, Ishiguro, McEwan, Barnes, KureishiAmis....
Me gustan todos, unos más y otros menos, pero de todos he disfrutado de buenos libros y de obras maestras.
Y en casi todos encuentro una característica común: son muy británicos, incluso aquellos de origen mestizo.
En la mayoría de sus novelas hablan de Inglaterra, bien a nivel histórico bien como una reflexión desde el presente. Incluso aquello que utilizan la ciencia ficción o la distopia lo hacen desde un punto de vista absolutamente británico.
El domingo de las madres opta por la historia.
Ha ocurrido una guerra, llegará otra.
El país se sostiene sobre una estructura de clases férrea y aceptada.
Comienzan a aparecer ciertas libertades, todavía escondidas.
Un hecho concreto, un accidente dramático.
A su alrededor, el escritor se deleita en centrar su estructura con una descripción íntima de los mínimos sucesos anteriores y posteriores, lo hace con delicadeza y singularidad, otorgándole con ello un nivel de grandeza, de mitología.
También se dispersa en flecos que nos lanzan entre pasado y futuro y que consiguen la magia de que un libro de apenas doscientas páginas, se convierta en una historia enorme.
El domingo de las madres me parece una obra esplendida en la que podría destacar un montón de cosas.
Algunas de ellas:
Su homenaje a la narrativa de aventuras desde lo cotidiano, una forma de recordarnos que la verdadera aventura es vivir.
Su homenaje a la literatura.
El recorrido del personaje central, de esta mujer desde el abandono hasta la fama. Lleno de piezas de todos los colores.
El cuadro social perfectamente dibujado en sus contenidos y aristas.
En definitiva, repito, una fantástica pieza, en la que no sobra nada. Una crónica íntima y el regalo de un excelente escritor a su profesión.
El grupo británico de los "Anagramas", sigue avanzando. Esto sí es un dream team.

Público



lunes, 7 de agosto de 2017

NOVELA: LA MONTAÑA MÁGICA dde Thomas Mann

Edhasa
1.000 páginas
También disponible en ebook

Hay libros que son como océanos
Uno entra en ellos, se deja acoger, y navega entre las olas sin importarle demasiado el destino, dejándose llevar y disfrutando, en este caso, del poder de la lectura.
En esos casos, gracias a una capacidad alquímica difícil de explicar, el escritor se convierte en una especie de guía, de timonel que nos acompaña en el recorrido, y que, algo caprichosamente, decide las etapas.
La Montaña Mágica es ese modelo, uno de esos monumentos literarios en los que comulgamos con su creador.
Sin duda hay un fondo, un escenario. Esa clínica que se asemeja en ocasiones a un lugar en donde una especie de geniecillos y brujas de distinto pelaje, acogen a pobres mortales que, engañados, buscan refugio en este paraje capaz de vulnerar la existencia del tiempo.
Ese comedor, esa terraza, la nieve que anula la existencia del mundo, las excursiones a parajes cercanos pero que parecen alcanzar el nivel de aventura de una partida de exploradores, los sueños de vida y muerte, los fenómenos más o menos explicables, el adiós....
Todo esto conforma esta narración totémica y plural.
Pero creo que lo que verdaderamente es significativo, es la experiencia lectora compartida por el autor, que no siente ningún remordimiento en la digresión, en hacernos caminar por discusiones filosóficas o llevarnos de nuevo "al mundo de abajo" para situar a ciertos personajes en sus orígenes.
Como un ejercicio de natación, sin prisas, ni metas, sin obligaciones, disfrutamos, o al menos yo he disfrutado sin altibajos, por este largo recorrido lleno de hallazgos, de lucidez y de humor, y también, sobre todo, de aventura interior, de investigación intelectual observando diferentes especímenes con la claridad de un cirujano.
Hay algo más.
Algo que no es nuevo y he contemplado ya en muchos escritores.
La Montaña Mágica ofrece un cuadro extremadamente completo de la sociedad prebélica, a punto de estallar la Primera Guerra Mundial.
Ante esa aristocracia parásita, voraz e inútil, no es difícil pensar en la necesidad de un estallido cruel que empujase al mundo y evitase su parálisis.
Crónica visual también por lo tanto de un periodo.
La Montaña Mágica es un clásico al que sentía que llegaba tarde aunque tal vez fuese el momento preciso para alcanzar a disfrutarla en su totalidad. Hermosa experiencia que aporta en fondo y forma.

Público

miércoles, 2 de agosto de 2017

CINE: LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS de Matt Reeves

USA.- 2017
Andy Serkis. Woody Harrelson. Steve Zahn. Terry Notary. Amiah Miller. Karin Konoval. Gabriel Chavarría

El planeta de los Simios es una película mítica de nuestra infancia.
Cuando décadas después se puso en marcha la precuela, muchos pensamos que iba a ser una serie B más o menos efectista. Lo cierto es que las revisitaciones del clásico no apuntaban a nada bueno.
Como siempre, la realidad viene a eliminar prejuicios, y es que finalmente esta trilogía ( por ahora ) ha resultado ser una de las mejores series de ciencia ficción de los últimos años.
La primera nos sorprendió por su escritura y su originalidad científica, un nivel de coherencia pocas veces presente en superproducciones del género.
La segunda estuvo a la altura, acercándose más al cine de aventuras.
Ahora llega la tercera parte, y lo hace para cerrar el trío con una película grande, donde la voluntad de entretener conjuga a la perfección con el buen cine.
No podemos olvidar que la principal dificultad de la propuesta es la humanización de los simios, conseguir que el público empatice con unos personajes que aquí se convierten en casi absolutos protagonistas.
El director comienza, tras una espectacular escaramuza, acercándonos a su entorno familiar y con ello y mucha ternura, ya estamos en posición adecuada.
A partir de ahí, La Guerra del Planeta de los Simios se convierte en una cinta homenaje a los clásicos, con el respeto y el oficio para convertirse en uno de ellos.
Se la ha definido como un western, algo que sin duda es. Esas cabalgadas al atardecer, ese grupo de camaradas, incluso el rescate de la niña que deviene en un personaje fundamental.
También el humor, el personaje cómico que sirve de contraste a la peripecia dramática y cuyos paralelos podemos encontrar en muchísimas películas de siempre.
Pero no es sólo esto. También hay cine carcelario donde la escapada se convierte en un conjunto de picardías narradas en el punto y tono preciso.
Y como no, un "Ape-Calypsis Now" como reza la pintada de los túneles.
La escena final viene a culminar este recorrido, con una magnitud que posiblemente en un cine con complejos podría sonar impostada y que aquí es el cierre perfecto.
Veo Centauros del Desierto, La Gran Evasión, incluso Los Diez Mandamientos....
Lo importante es llevar esto a cabo sin que en ningún caso suene a pastiche. No sé bien como definirlo, pero creo que es algo así como un aliento interior que hace que las escenas no suenen a copia o referencia sino a propias, dándole derecho a formar parte de la filmoteca de las importantes, ¿ grandeza?.
La historia está estupendamente escrita y realizada. Posiblemente sea esto lo que hace que todas las piezas encajen a la perfección sin que se noten las costuras ni haya ninguna fisura. Posiblemente sea también por ello por lo que se convierte en una apasionante película de aventuras que en ningún caso pierde el ritmo y que nos mantiene pegados a la pantalla hasta el final.
Dos últimos apuntes:
Por un lado, dejar claro que la epopeya no termina con la conquista, no enlaza directamente con la cinta matriz. Espero que esto suponga que quedan nuevas entregas y que estas sigan manteniendo el nivel de calidad. Cornelius sería un buen heredero de Cesar.
En segundo lugar, he visto la película en los Cines Renoir en V.O. Es importante el cambio de los últimos años, donde el buen cine tiene su sitio en pantallas de calidad , sin que necesariamente tenga que tener el matiz de rareza. Wonder Woman puede convivir con la cinta polaca Estados Unidos del Amor, por ejemplo. Lo importante es la calidad. Ya no hay complejos sino ganas de aprender y disfrutar. Nos vamos haciendo mayores.

Público      

lunes, 31 de julio de 2017

SAM SHEPARD. ESE INTERESANTE PERSONAJE

Creo que fue en el 83, cuando el Festival de Cannes premió un hermoso viaje americano de Win Wenders que atendía al título de París- Texas y que se convirtió en una de esas extrañas producciones independientes que en esa época trascendían las pantallas de arte y ensayo.
Como consecuencia, descubrimos la obra en la que se basada, Crónicas de motel, y a su escritor y guionista del film, Sam Shepard.
Para nuestra sorpresa, este desconocido en nuestro país, era un joven dramaturgo con inmenso éxito en EE.UU. donde se le comparaba ( en mi opinión, comparación excesiva ) con Arthur Miller.
A eso habría que sumar aun dos características destacadas:
La primera, su desaliñado atractivo contracultura.
La segunda, ser la pareja de Jessica Lange, en esos tiempos una diosa de la pantalla.
Este era el personaje.
Luego pasó el tiempo.
En España, los intentos de darlo a conocer como dramaturgo, se quedaron en producciones no demasiado exitosas de Loco Amor y True West ( para mi, un texto singular, magnético, profundo ).
Como actor, nunca pasó de ser un interesante secundario en películas como Frances, El Informe Pelícano, Elegidos para la gloria...
Años después, cuando quizás muchos le habían olvidado y ya no formaba parte de la mitología de la juventud dado que nunca había llegado a ese nivel de consolidación, un director español, Mateo Gil, le ofreció un protagonista de Blackthorn, su western crepuscular. Lo hizo muy bien. Prefiero quedarme con el recuerdo y olvidar unas declaraciones de Eduardo Noriega con referencia a su comportamiento.
Sin duda Sam Shepard ha sido un personaje interesante, inteligente, capaz de no dejarse quemar nunca aunque eso supusiese una presencia menos potente.
Hoy nos ha dejado.
Recordando lo que aquí he contado, nos recordamos un poco nosotros. En la sala oscura, ese hombre caminando en silencio por el desierto en busca de su hijo, esa mujer destrozada que hablaba detrás del espejo, ese reencuentro.
Pasa el tiempo.

Público

sábado, 29 de julio de 2017

SEIE TV: INDIAN SUMMERS- EL FIN DE UN IMPERIO de Paul Rutman

UK 2015-2016
Creada y escrita por Paul Rutina
Directores.-
Anand Tucker. Paul Wilmshurst. David Moore. Jamie Payne. John Alexander. Jonathan Teplitzky.
Intérpretes.-
Henry Lloyd-Hughes. Julie Walters. Nikesh Patel. Jemina West. Roshan Seth. Lilete Dubey. Aysha Kala. Alexander Cobb. Fiona Glascott. Olivia Grant. Amber Rose Revah. Ellora Torchia. Art Malik. Rachel Griffiths. Arjun Mathur. Blake Ritson.
Channel 4.
2 Temporada:
10 capítulos C.U.
45 minutos C.U.

Si las series de televisión británicas destacan , entre otras cosas, por su calidad estética y la adecuación de su producción, podemos imaginar las posibilidades de una narración que transcurre en la India colonial. Y sí, antes de entrar en faena, digamos que Indian Summers, extrae lo mejor de esta oportunidad, siendo por encima de todo un producto fastuoso, hermosísimo y totalmente evocador de un época, o mejor dicho, del fin de una época. Casi del crepúsculo de una civilización.
Nos encontramos, ya lo hemos dicho, en la India colonial.
En un enclave donde, al parecer, los británicos pasan largas temporadas en primavera y verano.
Lejos de las grandes ciudades, este lugar está situado en un maravilloso entorno natural.
Dos personajes, que en algunos momentos no parecen en su perversidad lejos de los protagonistas de Las Amistades Peligrosas, centran directa o indirectamente la mayoría de las tramas.
Él es un joven arribistas con la ambición de convertirse en Virrey de la India. Un pasado lleno de nubes y mucho dolor escondido.
Ella, la dueña de un club social, a imagen de los que entonces abundaban en Londres y que aquí supone un oasis malsano,  en el que se reúne la sociedad colonial. Cuyo objetivo es el mismo: que su protegido sea Virrey.
Ambos estarán dispuestos a lo que sea con tal de conseguir su objetivo. Pero no siempre las cosas salen como se espera y no siempre es posible acallar hasta el silencio absoluto el alma, aunque tenga colores en principio oscuros.
Esta columna sirve como base para dibujar un amplio paisaje donde conocemos la actitud de un grupo de ciudadanos que posiblemente alcanzaron allí un nivel aristocrático y de poder al que nunca tendrían acceso en su país de origen, conocemos también sus miserias al alejarse de la estricta moral de la isla, y por supuesto, conocemos a los nativos, aquellos que por un lado se humillan ante sus invasores y que por otro, ponen en marcha una revolución para echarlos.
También asistimos a la necesidad de cambiar ciertas costumbres para alargar en lo posible la agonía de esa situación.
Históricamente, la propuesta tiene un importante valor, pero no es La Joya de la Corona ( serie mítica en el mismo escenario ). Aquí priman las historias de sus personajes frente al trasfondo político, si bien este está siempre presente como telón de fondo.
Indian Summers está estructurada en diferentes tramas perfectamente escritas, tiene las excelentes interpretaciones a las que nos tienen acostumbrados los actores británicos, en este caso británicos e indios, donde a pesar de la perfección coral, me cuesta no destacar a la veterana Julie Walters y al joven Lloyd- Hughes, la pareja antes citada, pero todo ello se magnifica en el color, la textura y la atmósfera de un país tan fascinante como inmenso.
El resultado es narrativamente apasionante, casi como aquellas películas de cine clásico gracias a las cuales conocíamos ya esa época. No parece que esté lejos David Lean que, si hubiese dirigido series, seguramente habrían sido parecidas a esta.
Estéticamente ya he dicho que es fantástica.
El conjunto, por lo tanto, no podía salir mal.
Tengo que reconocer que en la primera temporada encontré que quedaban abiertas demasiadas tramas y no me pareció que estuviese redondeada. Sin embargo, en la segunda me enganché desde el minuto uno.
No sabemos si habrá tercera temporada.
Sería bienvenida.

Público

miércoles, 26 de julio de 2017

SERIE TV: THE CHURCHMAN ( Ainsi Soeient- Ils) TEMPORADA 1 de Rodolphe Tissot/ Elizabeth Marre/ Olivier Pont

Francia 2012
Directores.-
Rodolphe Tissot. Elizabeth Marre. Olivier Pont
Intérpretes.-
Thierry Gimenez. Julien Bouanich. Samuel Jouy. Clement Manuel. Jean Luc Bideau. Nicolas Beaucaire. Celine Cuignet. Clement Roussier. Gauthier Baillot. Jacques Bonaffe
Duración.-
8 capítulos 50 minutos c.u.
Disponible en Filmin

El punto de partida es sin duda sorprendente. Creíamos que estábamos acostumbrados a que hubiese series de televisión sobre cualquier temática. Pero no era así.
La francesa The Churchman reúne las condiciones generales del género episódico, la coralidad en los personajes, las tramas paralelas, la integración entre lo íntimo y lo público....
Pero el paisaje de fondo es, nada menos, que la Iglesia Católica.
El seminario de Los Capuchinos parece haberse convertido en la élite de la confesión religiosa. Su selección a la hora de admitir seminaristas, deja reducido a cinco el número de candidatos. Será a ellos, a su vocación y sus dudas, su convivencia entre la fe y el mundo, a los que seguiremos, afrontando una muy interesante visión sobre la lectura que en la actualidad merecerían las Santas Escrituras.
Problemas como los sin techo, la emigración ilegal, el aborto o la homosexualidad, se presentan en un desarrollo cotidiano muy bien escrito y realizado, también la parábola del camello y el ojo de la aguja tiene aquí su traslación narrativa.
Este nivel, una vez asumida la extrañeza de ver en este modelo, algo que, posiblemente de forma errónea, nos parecía intocable, está muy bien planteado. No es fácil ser valiente, obligarnos a asumir la necesidad de equilibrar tradición y actualidad, ver de otra manera nuestro compromiso con Jesucristo, y hacerlo desde el respeto, escapando de soluciones fáciles. Tampoco está teñido de falta espiritualidad.
Sin embargo, la serie tiene otro nivel, más global, relacionado con el mantenimiento de la propia congregación en los límites de lo legal, y también sobre las luchas de poder en la cúspide de la Iglesia en Francia y su extensión nada menos que al Vaticano como consecuencia de un conflicto diplomático con China.
Es aquí donde me pierde el proyecto.
Si bien las visitas a Roma , exteriores e interiores, se filman con una grandiosidad renacentista que otorga un nivel estético y referencial importante, el acompañamiento roza la burla al hablar de cardenales que parecen mafiosos y un Papa que se dibuja en caricatura.
Por lo tanto se produce un contraste que no me convence: por un lado, el debate abierto sobre la actualidad de las doctrinas cristianas y como deben de convivir sus mensajes con la sociedad actual, por otro, la crítica gruesa.
Supongo que tendrá que ver el hecho de que yo sea católico practicante, pero en cualquier caso, estoy dispuesto a admitir la duda humanista, precisamente desde la humanidad y la traslación de las dudas que cualquier corazón y mente inquietos debe de tener. Sin embargo, me cansa y me parece injusta la visión de pastiche que sólo se queda en lo superficial.
En cualquier caso, sí me han enganchado los personajes, en especial los cinco seminaristas. Hasta importarme su futuro.
Posiblemente me asome a la segunda temporada.
Seguiremos comentando.

Público


lunes, 24 de julio de 2017

CINE: DUNKERQUE de Christopher Nolan

USA/UK 2017
Tom Hardy. Mark Rylance. William Murphy. Kenneth Bragnanh. JamesDarcy. Harry Styles

Decía en una de sus entrevistas Nolan que siempre le había extrañado que no se hubiese hecho ninguna película sobre Dunkerque, algo que achacaba posiblemente al hecho de que fuese un importante fracaso militar.
Está claro que eran muchas las actitudes que podrían haberse tomado a la hora de contar este trozo de historia.
Nolan ha optado posiblemente por la más valiente y sincera, aunque eso no suponga en ningún caso que la desnude de poesía.
La primera escena, que pronto se rompe en un tiroteo, nos muestra con lentitud a un grupo de soldados de espaldas mientras caminan por una calle desierta y les rodean panfletos de propaganda que parecen pájaros de papel.
Creo que es una declaración de principios: está claro que nos va a contar la guerra desde la experiencia interior, y esta, en un entorno tan brutal, tiene mucho de pesadilla inmaterial, de posicionamiento en otra dimensión.
Pronto conocemos cuales van a ser los tres pilares de la trama: el mar, el aire y el espigón.
Cada uno de ellos se corresponde, o se puede corresponder, con una pieza narrativa, dentro de un  todo en el que todo termina encajando. Pero hablar de narrativa no es exacto en el modo tradicional, ya que Nolan escribe un guión con muy pocas palabras y tal nivel de estilización que, en algunos momentos, podría hablarse de abstracción, no tanto por la ausencia de sucesos ( en Dunkerque ocurren muchísimas cosas ) como por la mirada.
Lo cierto es que Dunkerque me parece la película definitiva sobre la guerra. No hay ningún tipo de limitación a la verdad. Sí hay grandeza en muchos de los comportamientos que se nos muestran, pero también hay mucha miseria abonada por el miedo y la desesperación. Y por supuesto está el horror, de los bombardeos, de morir ahogado, de estar rodeado de cadáveres, de aquellos momentos en que se roza la locura.
Dunkerque es de una fisicidad experiencial .
Quizás es también esa fisicidad la que consigue que, a pesar de la estilización que antes hemos citado, la película llegue a producir una emoción plena que va creciendo a medida que avanza la cinta y que a mi personalmente me ha acercado a la lágrima.
Y por último, un valor absoluto del film es su plasticidad, por un lado, en un montaje frenético pero siempre claro, y por otro, en su belleza. Goya demostró en sus pinturas que en el horror también puede haber belleza, lo que Nolan consigue es pura poesía, en paisajes tan anacrónicos con lo que entendemos por tal como una playa llena de soldados, un avión cruzando el cielo o la noche en el mar en llamas.
En ningún caso he dicho que Dunkerque es una película perfecta, tiene algún punto poco encajado a mi entender en los tiempos de las piezas. No importa. Dunkerque no es una película perfecta, es mucho más que eso. Es una experiencia tallada en sangre y fuego.
Pensaba al salir del cine esta tarde que era extraño que en fechas como esta, inicios de verano, nos llegue una película tan potente. No tarde en responderme que no es habitual que se estrenen películas tan potentes, en ninguna fecha.
Excelente.

Público

domingo, 23 de julio de 2017

NOVELA: ESE MUNDO DESAPARECIDO de Dennis Lehane

Salamandra
500 páginas
También disponible en ebook

Las obras de Lehane beben de o más clásico del género negro de gánster.
Su textura a nobleza y delincuencia, su color añejo y unas tramas donde los conflictos personales adquieren un tono shakespereano en la estructura de las relaciones, donde la sangre es algo más que el parentesco, donde conviven la traición y la máxima lealtad, bajo el paraguas de un destino, del fatídico devenir del movimiento de un poder que va más allá de la ambición.
Me recuerda al Scorsese de Infiltrados, de Casino, de Uno de los nuestros. 
Si sus obras fuese películas deberían de estar coloreadas en blanco y negro.
Sin embargo, creo que esta es la primera donde aparecen fantasmas, desde la aparición del muchacho rubio en el prólogo hasta la excelente secuencia coral con la que termina la novela.
Creo que eso es una señal, una señal que convive a la perfección con el título.
Ese mundo, efectivamente, ha desaparecido, como tantas épocas por las que el ser humano ha ido caminando hasta llegar al siguiente escalón, la siguiente etapa que también en su día será olvidada.
Pero hay fragmentos de la Historia que se recordarán con más cariño y admiración que otros, aunque, como en este caso, estén llenos de sangre y de dolor. O tal vez sería más adecuado decir que hay épocas que han tenido la suerte de contar con cronistas que las engrandecen.
Lehane es sin duda un excelente narrador, tanto en lo que se refiere a hacer asequibles unas tramas que en otras manos podrían ser muy complejas ( ¿Janes Ellroy?), como en la creación de personajes de todos los niveles y colores.
Pero hay más.
En esta obra hay más.
Como decía, título y fantasmas, hacen pensar, anuncian, lo que sin duda es el crepúsculo.
Ya han pasado lo mejores tiempos, ahora incluso muchos de los protagonistas, en concreto Joe Coughlin, se ha vuelto humano. Posiblemente tener un hijo tenga mucho que ver, también haber crecido perdiendo en el camino compañías irremplazables como la de su esposa, o tal vez sea simplemente el cansancio ante una vida muy dura.
El caso es que la guardia está bajada.
Y algún día tendrá que llegar la despedida.
Esa nostalgia de quien ha llegado a amar a sus personajes,tieñe de principio a fin Ese mundo desaparecido.  Con ello provoca una distancia que sublima gran parte de los sentimientos y mitifica ciertos actores: la asesina, el demonio, la amante....
El conjunto es un clásico re visitado, un clásico contado desde la pena de saber que su tiempo ha pasado, pero sin convertirlo en una pieza de museo.
La pluma da en este caso vida al pasado. Lo convierte en un tiempo a recordar. Lo engrandece.
Podría estudiarse como una muestra de narrativa histórica.
Pero también como una novela excelente que espero nadie infravalore por su adscripción al género.

Público

domingo, 16 de julio de 2017

NOVELA: EL JUEGO DE LA LUZ de Louise Penny

Salamandra
448 páginas
También disponible en ebook

Dentro de la proliferación del género negro de los últimos años, parecen abundar los lugares fríos.
La generación nórdica no es la única que se desarrolla en paisajes nevados.
Louise Penny nos lleva a Canadá.
Hace como uno o dos años, se publicó Enterrad a los muertos, una historia en la que destaqué su generosidad ya que no eran una sino tres las tramas que se enredaban para componer una propuesta apasionante y variada.
El juego de la luz sigue con esta dinámica utilizada por ejemplo por Camilla Lacberg de escribir como si fuese una serie, donde cada novela continua a la anterior, algo que últimamente se está popularizando y que no acabo de tener claro que me guste. Mankell o Connolly son capaces de utilizar al mismo protagonista y seguir su evolución sin que por ello sus series sean dependientes
En cualquier caso, lo que sorprende en este caso no es esto, sino la variación con respecto a su anterior propuesta : si allí hablábamos de seguridad, en este caso la historia está absolutamente concentrada y la referencia es sin duda Agatha Christie.
El pueblecito donde convives sus personajes principales puede compararse con la campiña donde intenta retirarse Miss Marple.  Allí es donde, por supuesto, aparece una noche un cadáver, y cualquiera de los presentes puede ser el asesino.
Al margen de la trama policiaca, la autora maneja muy bien el trasfondo psicológico de sus personajes y los mueve con una coreografía cotidiana perfecta en su aparente ligereza.
La novela es sin duda entretenida y tiene su color y cierto nivel interior, simplemente tengo la sensación de que no aporta mucho de nuevo.
Louise Penny con Enterrad a los muertos me parecía que iba a ser alguien de quien podía esperarse algo diferente.

Público

viernes, 7 de julio de 2017

CINE: WONDER WOMAN de Patty Jenkins

USA 2017
Gal Gadot. Chris Pine. David Thewlis. Danny Huston. Elena Anaya. Ewen Bremmer. Connie Nielsen. Robin Wright. Lucy Davis. Said Taghmaoui

Sin complejos.
El verano, además de para las bicicletas, es ideal para este cine en el que no hay mucho que pensar. Después de un año laboral y la cercanía de las vacaciones, es necesario limpiar el cerebro. Necesario eliminar cualquier complejo y pensar que tenemos por delante varias semanas donde divertirse será nuestra más importante obligación.
Es cierto que en esta época también acuden a las pantallas cintas minoritarias que no tienen hueco en fechas mejores. Descubrimientos. Pero definitivamente el cine de verano es este.
Y también puede haber descubrimientos aquí.
Wonder Woman lo es.
El cine de superheroes da para todo.Los extremos serían, por un lado la trilogía filosófica que componen los Batman de Nolan, y por otro lado, el tebeo claro y asumido que supone esta.
Porque Wonder Woman es eso, nada menos que eso, un muy divertido tebeo que bebe de las fuentes de la mitología y se sitúa en un Londres en guerra con una textura de calidad.
La narración es fluida en un guión inteligente pero sobre todo es el ritmo, la estética y los efectos perfectamente medidos, lo que convierte a esta cinta en especial.
Y asumir lo que es sin complejos.
Un anacronismo que siempre me ha llamado la atención es que, cuando las críticas consideradas de calidad ( referencio en este sentido por ejemplo a Caiman Cuadernos de Cine, algunos de cuyos críticos otorgan  un 8 a esta producción ) , sea parte del público ( gran parte ) quien, aunque disfruten de estas propuestas, decidan que no pueden ser consideradas dentro del "cine serio". Lo dicho: complejos, esos complejos que siempre han hecho que la comedia sea considerado un género menor, ya no te digo el cine de superheroes...
Pues bien, uno de los logros de Wonder Woman es darse cuenta de que este tipo de creaciones, forman parte de la cultura popular y son el tipo de productos que han jalonado la formación básica de todos nosotros. Asumirlas con sus condiciones de partida supone no sólo inteligencia y respeto, sino un acercamiento no exento de ternura, a nuestro equipaje histórico.  
Y yo encuentro, mucho respeto e inteligencia en este regalo. Ya lo he definido como tebeo, pero un tebeo con mucho de añejo y que destina gran parte de su poderío económico en alcanzar ese nivel de realismo emocional, de calidad visual al margen de efectos más o menos epatantes o de grandiosidad impostada.
Eso es lo que la convierte en singular: su vertiente emocional considerada seguramente como un objetivo para comulgar con un tipo de público.
De nuevo: sin complejos.
No los tengamos tampoco  nosotros y  a disfrutar.

Público

jueves, 6 de julio de 2017

RELATOS: GEORGE ORWELL FUE AMIGO MIO de Adam Johnson

Seix Barral
312 páginas
También disponible en ebook

Hace unos años el Premio Pulitzer de novela calló en El Huérfano, una narración sorprendente tanto en contenido como en forma.
La historia tenía lugar en Corea del Norte, hablaba del país como de un infierno kafkiano donde citar la vulneración de los derechos humanos puede resultar anacrónico ya que lo que allí ocurre alcanza otra dimensión. La anulación no ya de la libertad sino del uso de la razón, es algo difícil de comprender para el resto de la humanidad.
Crear un protagonista que pasa de la brutalidad y la ignorancia a la cima, en un trayecto no exento de picaresca, precisa de grandes dotes de fabulador para que todo lo que se cuenta no suene a falso, al ser creado desde la distancia y no desde una inmersión local. Se consigue con creces.
Y en lo que se refiere al estilo, la recuerdo como una especie de aguafuerte en colores chillones, que exigía cierto esfuerzo para entrar pero producía un efecto cercano a la borrachera.
Vuelve ahora con una colección de cuentos.
Yo esperaba algo parecido a lo anterior.
Pues no. Salvo el hecho de que la última pieza la protagonicen dos disidentes de Corea del Norte en sus primeros tiempos en Corea del Sur.
Hay dos aspectos a destacar en esta colección:
En primer lugar la pluralidad temática. Hay una historia de amor futurista, un antiguo funcionario de prisiones en la Alemania del Este que tiene que aceptar el nuevo mundo que ha aparecido tras la caída del muro, un especialista en ordenadores con problemas de abusos a menores, el fantasma de una mujer fallecida de cáncer, los coreanos citados anteriormente y un camionero que debe de decidir cual será su futuro y el de su hijo e pocos meses. Seis paisajes interiores  exteriores totalmente diferentes. Y sí, tengo que reconocer que acabo de encontrar un lugar común con El Huérfano: todos huelen a verdad.
Pero el segundo aspecto es el que más me importa y también el que más me va a costar explicar. Se refiere a la solidez  narrativa. No sé si el andamiaje, la claridad y la precisión de la prosa, la densidad de las tramas y los personajes.... Lo cierto es que hacía mucho que alguien no me recordaba tanto a los clásicos norteamericanos, y estoy refiriéndome a autores de la categoría de Steinbeck o de Faulkner.
El resultado es una colección de relatos ( me gusta llamarles cuentos, como a los clowns payasos ) en los que cada uno de ellos se podría leer independientemente alcanzando la categoría de una novela, ya que nunca se centra en la anécdota sino que da siempre una perspectiva global que abarca gran parte de la vida.
Lo dicho, Adam Johnson y su anterior éxito no fueron fruto de la suerte o de la alquimia. Tampoco es ya una promesa. Mucho más. Uno de los grandes, en breve.

Público
 

sábado, 1 de julio de 2017

CINE: VERANO 1993 de Carla Simon

España 2017
Lara Artigas. Paula Robles. Bruno Cusí. David Verdaguer. Isabel Rocatti. Fermí Reixach

Posiblemente lo importante, lo verdaderamente importante en esta vida, ocurre bajo la superficie, sentimientos que marcarán nuestras vidas y que no explotan en acontecimientos dramáticos, sino que corren por dentro como corrientes subterráneas.
En una narración, se transforman en pequeños olas que destacan en lo cotidiano pero que en realidad tienen la fuerza de grabarse hasta el futuro.
Si además la mirada es la de una niña,  esos sentimientos son más puros pero también tiene un nivel de indefinición tanto en el reconocimiento de los propios como ven la identificación de los de los adultos, lo que convierte en este caso la película en una película mucho más rica, que precisa de la complicidad del espectador al tempo que se mueve en una especie de nivel liquido, sutil.
Los padres de Frida han fallecido, sabremos poco a poco que víctimas del SIDA ( no es un spoiler, lo cuentan todas las críticas ). Ella se traslada a vivir al campo con sus tíos y una sobrina un poco más pequeña. Vamos a compartir con ella descubrimientos pero también , y sobre todo, la búsqueda del duelo entre lo que entiendo son sensaciones interiores posiblemente confusas y contradictorias.
Sólo desde la verdad se puede filmar con tanta sencillez, sinceridad y ternura.
No en vano, la directora se atreve a contar su propia historia.
Me cuesta por regla general creerme las películas con años, salvo si me encuentro con una protagonista como Lara Artigas desde cuya mirada nace y se desarrolla la historia. Su capacidad de expresión desde la contención es impresionante. Contemplar su rostro y adivinar lo que se queda en el interior se convierte en una apasionante aventura.
Verano 1993 es una cinta delicada, un ejercicio de observación, una historia compartida más que contada, susurrada al oído.
Un estudio sobre las contradicciones de cualquier ser humano, sobre la dificultad de acotar de una forma precisa cada sentimiento, en definitiva, sobre la vida.
Remite a muchos maestros, Erice, Ozu, Bresson.... y lo hace con una firmeza tal que parece increíble que nos encontremos ante una ópera prima. Porque además de todo lo dicho anteriormente, hay algo más que hace esta cinta tan especial, esa magia que no sabemos como se consigue y que, casi de forma alquímica, aparece  de repente en algunas obras, regalándoles el alma, convirtiéndoles en una especie de Pinochos que adquiriesen vida. Son esas obras que, sin ninguna razón aparente, llegan a nuestro corazón para quedarse.
Una preciosa muestra de cine en la que siento que hay que dar las gracias por su grado de intimidad.

Público

viernes, 30 de junio de 2017

CINE: COLOSSAL de Nacho Vigalondo

USA. 2016
Anne Hathaway. Dan Stevens. Jason Sudeikis. Austin Stockwell. Tim Blake Nelson. Agam Darshi. Hannah Cheramy. Christine Lee

Nacho Vigilando me parece una de las voces más singulares de nuestro cine.
Me sorprendió inesperadamente ese jeroglífico, complejo juego de espejos que era Los Cronocrímenes, Me divertí mucho con Extraterrestre. Colossal está a la altura de sus antecesoras.
Vigalondo es algo así como un chef capaz de mezclar sabores que pocas veces se habían visto juntos.
Podría calificarse su cine dentro del género de ciencia ficción y sin embargo, partimos siempre de un entorno diferente, bien sea la comedia castiza, bien el cine indie americano. Pero no sólo el paisaje sino también la textura.
Lo fantástico se cuela de una forma totalmente natural, sin pedir credibilidad ni dar explicaciones, pero no por ello modifica la base. Los personajes siguen siendo de nuestro entorno cotidiano y manteniendo sus inquietudes y comportamientos. El contraste resulta a menudo extravagante pero, sobre todo, singular.
También se permite la mezcla de géneros; así Extraterrestre era una comedia de situación modelo castizo ( en otros tiempos podía haberla protagonizado Oscar Ladoire )y en este caso Colossal pasa por el thriller psicológico y el melodrama de reencuentro con el pasado.
Estéticamente podría siempre hablarse de serie B, pero mucho más por el perfil de sus personajes y el limitado uso de efectos especiales que por su vocación. Ya en Los Cronocrímenes demostró como hacer ciencia ficción de la buena con muy pocos recursos, aquí , supongo que más holgado de presupuesto ( es su primera producción americana y estoy seguro de que no será la última ) vuelve a conseguirlo.
La protagonista es una joven algo desbocada y con problemas con el alcohol.
Buscando cierta escapatoria  y sobrevivir sin recursos económicos regresa a su pueblo, donde un amigo de su infancia se convierte en su principal sostén.
Coincidiendo con este cambio en su vida, un monstruo gigantesco ataca Seul. No tardaremos en saber la relación entre esos dos personajes que en principio parecen en las antípodas. Un extraño efecto mariposa.
Pero, como siempre, no esperemos muchas explicaciones. Vigalondo es sobre todo un excelente narrador y lo que importa en sus historias es el "que" no el "porqué". Lo que ocurre a partir de ahí no puede dejar de sorprendernos, pero no tanto por la carga fantástica sino por los giros que va dando el estupendo guión.
Por supuesto, a que la cinta funcione contribuye mucho Hathaway, una actriz con una expresividad abierta y transparente.
Se puede achacar a Colossal, que confíe demasiado en la complicidad del espectador, dispuesto a emprender el viaje tal y como se lo proponen. También alguna punta de incoherencia. Sería rizar el rizo.
Es un entretenimiento de altura, una película muy bien escrita , muy bien contada y muy bien hecha.
Creo que existe un cine para disfrutar y que, muchas veces, debemos de aprender a disfrutar sin complejos y eso sin duda es lo que se nos pide aquí.
Fuera pedantería.
Colossal merece muchísimo la pena.
Y además, no se parece a nada.

Público

jueves, 29 de junio de 2017

NOVELA: LA PARTE SOÑADA de Rodrigo Fresán

Literatura Random House
595 páginas
También disponible en ebook

Recuerdo la apasionante aventura de leer La Parte Inventada de Rodrigo Fresán.
Era como entrar en un bosque intelectual, complejo y tupido en su belleza plural y acumulativa, lleno de fugas, de historias mutiladas o multiplicadas, de descubrimientos.
Entre torrentes de palabras asomaban narraciones o pensamientos que sublimaban la libertad y la imaginación.
Tesoros a encontrar.
Para ello era necesario asomarse sin miedo a sus páginas, no pedir sino recibir, no esperar que nos lo expliquen todo ni buscar nuestra propia explicación, sólo pensar que la forma de placer está muy relacionada con aceptar.
Las sensaciones que producía eran también plurales: emoción en algunos momentos, tensión e intriga en otras, sonrisas....
La lectura de este libro era algo tan importante como una experiencia divertida.
Tengo la sensación de que La Parte Soñada da un paso más allá.
Sueño versus narraciones. Todo es más hetéreo, Creo que hay más niebla, más bruma, más niveles que cruzar hasta llegar a los puntos de anclaje reconocibles que dan un respiro. Pero no por ello se pierde la genialidad, la creación de escenarios, paisajes e incluso mundos propios.
Hay personajes y tramas que ya estaban en la anterior. Se podría seguir una línea argumental pero sería perder su riqueza, esa que salta desde un drama familiar al estudio de Nabokov o la versión personal de los personajes de Cumbres Borrascosas. Y muchas cosas más. Es casi imposible hacer una sinopsis, pero además ¿para que?.
La mejor referencia que he leído al respecto es que es el Island Empire de Fresán. Lo es.

Público

SERIE TV: FEUD de Ryan Murphy

USA 2016.
Creador.-
Ryan Murphy.
Directores.-
Ryan Murphy. Gyneth Horder-Payton. Liza Johnson. Helen Hunt. Tim Minear
Intérpretes.-
Jessica Lange. Susan Sarandon. Judy Davis. Alfred Molina. stanley Tucci. Alison Wright. Jackie Hoffman. Sarah Parlson. Dominic Burguess. Catherine Zeta- Jones. Kathy Bates. Seridan Swan.
Duración.-
8 episodios , 50 minutos c.u.

Serie de televisión que tiene como epicentro la enemistad entre dos leyendas de Hollywood, nada menos que Bette Davis y Joan Crawford, especialmente alrededor del rodaje que compartieron en la ´película ¿Que fue de Baby Jane?, Feud es una curiosa propuesta bien resuelta que admite varias lecturas , a mi entender , tres en concreto:
En primer lugar , la más obvia , es la lectura mitómana. Pero en este caso una mitomanía doble, por llamarla de algún modo, una mitomanía refleja: ver en pantalla el comportamiento fuera de las cámaras de dos divas de antaño, es muy atractivo, pero además, en este caso, existe el añadido de comprobar como dos divas más recientes, del nivel de Lange y Sarandon, afrontan estos papeles. Pues bien, en este primer nivel, hay que dejarse sorprender por la identificación que ambas actrices hacen de sus referentes, excelentes interpretaciones que , además, nos las acercan incluso físicamente sin que en ningún momento nos sintamos decepcionados. La caracterización es tan buena que nos llama la atención no habernos dado cuenta antes de la similitud entre las miradas dañinas de Davis y Sarandon.
El segundo nivel es el de la crónica de una época con no poco nivel de cotilleo. Aunque tal vez eso fuese lo más importante entonces. Son muchos los personajes del Hollywood dorado con participaciones más o menos episódicas y muchas las referencias a sus vidas, siempre desde la sordidez que ya desde hace años se asocia a ese entorno. Funciona en este nivel también aunque posiblemente se pueda echar de menos una mayor involucración en lo que se cuenta. Se habla de machismo, de avaricia, de humillación, pero sólo se habla.
Personalmente, el tercer nivel es el que más me interesa. es el nivel que habla de los monstruos. De esas personas que de la nada se veían convertidas en dioses, que hacían ese recorrido a fuerza de sobrevivir a batallas cruentas y a ausencias totales de escrúpulos. Que precisamente sobrevivían por tener más fuerza que los demás, más inteligencia, más necesidad y más hambre ( de éxito, de cariño, de reconocimiento, ese espejismo del amor ). Y a los que esa superioridad hacía menos asumible la decadencia. Monstruos terribles pero que llegan a producir compasión y ternura en sus últimos tiempos. Especialmente mujeres, para ellas todo era mucho más difícil, tuvieron que entregar mucho más en el camino y sus heridas eran más dolorosas y tardaban más en cicatrizar.
Crawford es un personaje más obvio en este nivel. Sin duda Davis sufrió también pero posiblemente, nos dice la serie, era más inteligente y sus mochilas de pasado iban menos cargadas. Seguro, ella es sólo la referencia de muchas otras . Podrían contarse las víctimas de aquellos años como las de Vietnam.
Feud se abre con unos fantásticos títulos de crédito hitchkontianos. Posiblemente al resto se le pueda achacar, como ya he dicho, cierta superficialidad y una duración excesiva, así como un cierto gusto por el guiñol que a veces puede rozar la caricatura. A cambio, es una producción colorista y elegante muy entretenida, que sin duda nos proporciona placeres de mirón curioso y además, si miramos más allá, una radiografía del dolor, de la irrealidad como forma de vida, de la cara oculta de los mitos.
No sé si habrá nuevas temporadas con otro fondo de leyendas.
En cualquier caso, esta ha cumplido su función.

Público          

martes, 20 de junio de 2017

CINE: MIMOSAS de Oliver Laxe

España 2016
Ahmed Hammond. Shakib Ben Omar. said Aagli. Ikram Anzoudi. Ahmed El Othemani. Hamid Fardjad. Margarita Albores

Hay películas, obras en general, que nos cruzan como experiencias. Que más allá de su presencia narrativa o su originalidad , consiguen alcanzar una dimensión de contacto con quien se abre a disfrutarlas, que roza ( no quiero ser pedante ) lo milagroso.
Son cintas difíciles de explicar. Pero muy fáciles de sentir.
Pero también es verdad que son obras que requieren la complicidad del espectador. A mi personalmente me parece que la complicidad es algo tan sencillo como sentarse a observar con los ojos bien abiertos y no intentar pedir explicaciones al creador; estar dispuesto a recibir y a colaborar , a crear nuestra propia historia asumiendo que no exista algo tan radical como la versión cierta.
Tengo la sensación de que Mimosas surge del amor de su creador hacia un país, unos paisajes y unas gentes, un amor tan respetuoso que convierte la tradición en mitología y sólo entiende el presente integrándolo en el pasado, hasta no distinguir los tiempos.
Marruecos. Un grupo cruza las montañas acompañados de dos buscavidas. Un anciano fallece en el trayecto y estos se comprometen a llevar su cuerpo hasta su tierra para enterrarlo allí. Les acompañará un joven que parece venido de otro tiempo, también encontrarán otros compañeros. Extraño western espiritual, lento viaje.
La narración recuerda la oralidad, la inclusión de relatos a modo de tapiz, la textura de las piedras y el polvo, también de la nieve y de las manos.
Puede ser la epopeya de unos hombres llamados a ser grandes ,aunque sólo ellos lleguen a saberlo, puede ser la historia del rescate de una princesa, puede ser el sueño de un conductor que lleva impresas en su memoria las leyendas de sus antepasados.
Una de las cosas que destaca Mimosas es que , como todos los buenos relatos, puede ser muchas cosas, las que queramos.  
Sin duda el amor al paisaje que antes citaba, se entiende al contemplar la grandiosidad del entorno natural. Lo importante aquí es la capacidad del director a la hora de trasladarlas a la pantalla, impactantes no sólo por su propia esencia sino también por la forma de mirarlas. La salida conjunta del grupo de taxis en el desierto, que parecen un grupo de guerreros en la niebla es un claro ejemplo del nivel visionario de Oliver Laxe. En general el uso de esos autos destartalados a los que imprime la pátina de jinetes del desierto.
Mimosas bebe de los cuentos orales y de las leyendas, puede ser un sueño, una alucinación, un viaje entre dos lugares interiores. Ya lo he dicho. Muchas cosas.
También del cine clásico de aventuras o de la literatura de pérdida como El cielo protector o El corazón de las tinieblas. 
En cualquier caso es una hermosisíma experiencia de absoluta libertad. La muestra de que cualquier viaje externo, conlleva también un viaje interior.
Contemplarla con la ingenuidad y la lucidez con la que uno puede atreverse a contemplar la vida, será una gozosa experiencia.
Una muestra de un cine diferente que debería de ser apoyado y difundido y no dejarlo relegado al margen de la industria como película de festivales ( de los que, por cierto, Oliver Laxe siempre ha salido con las manos llenas ).

Público      

domingo, 18 de junio de 2017

NOVELA: SONATAS de Ramón María del Valle Inclán

Memorias del Marqués de Bradomín
Incluye:
  • Sonata de Primavera
  • Sonata de Estío
  • Sonata de Otoño
  • Sonata de Invierno
Diversas editoriales.
También disponible en ebook.

No sé como se hace. No sé como se puede conseguir que, en el colegio, seamos capaces de leer y disfrutar de los libros que se nos imponen como obligación, traspasando lo negativo que implica cualquier deber para poder disfrutar de ellos. Tal vez sea mucho pedir, quizás la forma de introducirnos en la lectura deba de ser otra, más cercana a nuestro entorno cotidiano; crear la afición en esos años. Entonces la duda se extiende a más adelante ¿ como conseguir que a edades más avanzadas nos asomemos a los clásicos? no, no lo digo por mantener vivas unas obras desde un planteamiento casi museístico. 
Todo lo contrario.
Mi pregunta viene del mero disfrute.
Porque cada vez que dedico tiempo a leer esos recuerdos el pasado ( no me refiero al pasado en que fueron escritos, sino a mi propio pasado, aquel en que, en los pupitres del colegio, buscaba cualquier trampa para eludir estas lecturas ), siempre recibo una agradable sorpresa en forma de literatura.
Sí. 
Tengo que reconocer que, gallego y superando los cincuenta, no había leído las Sonatas de Valle.
Conozco ( y adoro ) prácticamente todo su teatro, leído y representado. Pero nunca me había sentido atraído por su prosa. Hasta ahora. No sé porqué.
Saldo mi deuda con estas Memorias del Marqués de Bradomín.
Poco puedo decir ni aportar a una obra de sobra conocida y sobre la que abundan los estudios, más que mi opinión, la sensación que  me producen estas cuatro estampas. 
Sí el teatro de Valle tiene mucho de expresionismo , algo de guiñol, no están exentas estas piezas de esa sensación de cartón , de artificialidad, de moverse entre el cuento de chimenea y la novela para un largo viaje. Sus personajes, al margen del señor marqués, no son del todo reales, teniendo en su adn cierto matiz de madera, de marionetas. 
El conjunto que se consigue es encantador.
No sólo por lo colorista de la prosa y su capacidad de vincular los sentimientos que transmite con su forma de trazar los decorados, sino también por hacer que esos sentimientos se manifiesten siempre en un nivel cercano que les otorga cierta ingenuidad.
Siento que mis comentarios podrían trasladar una imagen infantil de la propuesta, tal vez añeja. Nada más lejos de la verdad. Este Don Juan "feo, católico y sentimental" como se le describe y se describe el mismo, salta también a una moralidad abierta, sorprendente en la época en que fue escrita, y que vincula el comportamiento de este aristócrata a los personajes que en Divinas Palabras o las Comedias Bárbaras representaban las costumbres nacidas de la tierra.
Además, en una caligrafía de una riqueza envolvente, el autor consigue generar una textura casi poética, la del tiempo que se va, la de la decadencia, la del final de una sociedad, de unas costumbres, de una forma de vida. Estas cuatro piezas huelen y saben a despedida de una época. A nostalgia.
A las Sonatas le ocurre lo mismo que a La Iliada, o Madame Bovary o las obras de Lope de Vega, que no son modernas sino eternas.
Merece la pensa. Ahondar en los baúles de la literatura, no dejarse llevar por la idea de que leer a los clásico es de otro tiempo.
Hay un inmenso regalo esperando sólo que lo cojamos. Mejor dicho, un millón de regalos.
Quizás sea más adecuado ahora. Además estoy seguro: la cultura rejuvenece.

Público
  

jueves, 15 de junio de 2017

CINE: CERTAIN WOMEN de Kelly Reichardt

USA 2016
Laura Dern.Michelle Williams. Kristen Stewart. Lily Gladstone. Jared Harris. Rosanna Arquette. Rene Auberjonois. James Le Gros. John Getz. Ashile Atkinson. James Jordan. Edelen McWilliams. Sara Rodier. Gabriel Clarck

Creo que cuando surgió la corriente que se conoció como Cine Independiente Americano, sus señas de identidad no estaban tanto en su sustento económico ( que si bien al principio estaba por debajo de la media, encandilo al capital en cuanto lo consiguió con el público ), como en su contenido.
Hablaban de otra América y de otros americanos, aquellos lugares que a nadie habían interesado para convertir en paisaje fílmico y aquellas personas cuyas vidas en apariencia anodinas nunca habrían llegado a protagonizar una obra cinematográfica si no fuese por estos nuevos directores.
La mirada también era diferente, no buscada dramatismos sino verdad.
Esto fue lo que sirvió para distinguir a los impostores, que los hubo como siempre que algo se convierte en moda y deja de ser genuino. Fue entonces cuando el modelo se convirtió simplemente en un estilo. Recuerdo con no mucho agrado, los remedos de Isabel Coixet en este sentido ( Cosas que nunca te dije y Mi vida sin mi, me parecen ejercicios vacíos de emulación ), pero no fue sólo ella ( tan alejada por otro lado del paisaje emocional que retrataba ), hubo muchos más.
Pasaron los años.
Los directores que crearon el movimiento se hicieron mayores y algunos siguieron brillando, como Jim Jarsmuch, no perdieron la libertad, que había sido una de sus mayores conquistas,  y dejaron la base y el espacio para un tipo de creación alejada de las grandes producciones y de nacer con la taquilla como principal objetivo.
Kelly Reichardt, directora y guionista según los relatos de una tal Maile Meloy ( ¿tal vez una especie de Alice Munro más joven? ), aparece como dignísima heredera de aquel grupo.
Su película Certain Women, reúne todos los códigos que buscaba este cine entonces y lo hace con maestría narrativa y, sobre todo, con verdad.
Su película no pretende contarnos la vida de tres mujeres, sino un momento en la vida de esas tres mujeres, momentos en apariencia intrascendentes pero que sirven para hacernos llegar con total claridad y transparencia, el fondo de unas existencias que parecen no llevar a ninguna parte, la soledad y la falta de expectativas, como mirar, como moverse, como actuar cuando el futuro sólo tiene un fondo gris.
El escenario es un pequeño pueblo en el Noroeste de los Estados Unidos, esos territorios que abundan en ese inmenso país, que ni siquiera guardan la singularidad de haberse quedado ancladas en el pasado. No está lejos el espacio en que se movía otra de las buenas cintas de este año, Comanchería. lugares en los que la belleza del entorno natural, no termina de ser el lugar adecuado para el desarrollo de los seres humanos.
Y llegamos a la mirada.
Tengo la sensación de que Reichardt pertenece a allí. Su corazón está en los cuadros de interiores y exteriores a los que consigue elevar en un nivel pictórico sin que en ningún momento suene artificial. A ello se un una caligrafía visual lúcida y llena de hallazgos.
En muchos momentos, la obra de esta creadora me parece mucho más cercana a la poesía que al cine.
No hay ninguna trampa. No intenta facilitarle el camino al espectador, sólo ayudarle en la contemplación. No intenta crear principios ni finales para sus historias. Son así, y seguirán así, estas mujeres seguramente envejecerán en esos lugares, luego vendrán otras, y otras y otras. Y lo único que cambiará es que habrá personas capaces de mirar de una manera que les permita percibir la belleza allí donde otros sólo ven desesperanza.
La autora comparte el proyecto con cuatro actrices que, seguro, han entendido la propuesta y su lenguaje, y por ello sólo transmiten verdad.
Está película, calificada como primera del Cuadro Crítico del último Caimán Cuadernos de Cine, ha saltado olímpicamente la distribución cinematográfica para llegar directamente al dvd o a otras plataformas. Hay que asumir, como ya he dicho en los últimos varias veces, que el cine, la forma de verlo, ha cambiado, si no, nos estaríamos perdiendo películas como esta, una de las más interesantes de esta temporada.

Público

miércoles, 14 de junio de 2017

SERIE TV: CHARITE deSonke Wortmann

Alemania 2017
Alicia Von Rittberg. Maximilian Meyer- Bretschneider. Justus Von Dohnanyi. Matthias Koeberlin. Ernst Stotzner. Matthias Brenner. Thomas Loibl. Emilia Schule. Ramona Kunze- Libnow. Tanja Schleiff. Monika Oschek. Daniel Straber. Klara Deutschmann. Rosa Enskat. Runa Greiner. Christoph Bach. Lucas Prisor. Yusuke Yamaski. Sebastian Kowski. Vaclav Chalupa. Stella Hilb. Holger Kunkel. Christian Kerepeszki. Dagmar Sachse. Amy Mubul. Claudia Vasekova. Roland Wolf
Duración.-
6 capítulos
50 minutos c.u.

Berlín, Siglo XIX.
Charité es una clínica que combina la acogida de enfermos con la investigación y la enseñanza. En un tiempo donde la curiosidad y el ansia de superación del ser humano llevó a convivir entre sus paredes a nada menos que tres futuros Premios Nobel. Quizás el objetivo que se perseguía en esos logros no fuese del todo el esperado, exento de altruismo frente a la necesidad de buscar escaleras con las que subir en una rígida estructura social. En cualquier caso, una  impresionante riqueza de conocimiento y un lugar a recordar.
Todo ello, sin olvidar ni suavizar la miseria de la época fuera de las clases pudientes, las inhumanas condiciones laborales, la falta de consideración a la mujer y la xenofobia. No podía desembocar más que en el nazismo que claramente asoma en los últimos capítulos.
Son varias las historias que se tejen alrededor de la columna vertebral, la historia de Ida Lenze, una muchacha que por su condición, termina accidentalmente como enfermera en el centro y que se rebelará contra los límites que le imponen. A la vera de su narración, ocurren, como he dicho antes, un gran número de historias paralelas, unas más densas, otras más breves, pero todas ellas contribuyen a crear un microcosmos humano apasionante, tan apasionante como la propia época que relata, no en vano prólogo de acontecimientos que cambiaron totalmente Europa.
La serie ha ido un éxito con nivel de acontecimiento en Alemania y no me extraña.
La producción es impresionante en todos y cada uno de sus detalles.
Está fantásticamente escrita y muy bien dirigida e interpretada.
Pero sobre todo, una de las razones que creo la han convertido en tan popular en su país, es su capacidad para enfrentarse con su historia, sin paliativos, sin complejos, asumiendo sus propios pecados pero sin necesidad de un perdón constante.
Somos fruto de lo que fuimos. Y hay pueblos que lo entienden mejor.

Público

martes, 13 de junio de 2017

NOVELA: A LA INTEMPERIE de Aline Pettersson

Alfaguara
120 páginas
También disponible en ebook

Empiezo contando que he leído este libro por equivocación.
Hace poco, un suplemento cultural recomendaba A la intemperie, novela creo que británica de una escritora emparentada en fondo, forma y convivencia con el Grupo de Bloomsbury, Rosamond Lehman. Pues bien, busco en kindle, compro el primero y... sorpresa, me encuentro con una escritora mejicana.
Mi habitual disciplina me obliga a por lo menos intentar leerlo ¿ será que el destino a puesto en mis manos un descubrimiento inesperado?, en cualquier caso, es breve, si no me gusta tampoco va a ser duro.
Comienzan varios capítulos en forma de apuntes breves de la propia autora que reflexiona sobre el transito a la tercera edad.
Reflexiones, eso sí, lúcidas en su capacidad para diseccionar las llamadas de atención, los cambios.
Nos avisa que comienza un relato en el que crear un personaje de edad más avanzada que se encuentre ante la obligación de afrontar esos cambios. Un escritor. Y poco después le lleva a comenzar, él también, otro relato, esta vez con un hombre más joven como protagonista. En medio de este juego de muñecas rusas,  no dejan de aparecer de vez en cuando la autora para guiarnos o más bien acompañarnos en este juego.
Porque lo cierto es que la propuesta me traslada eso, un juego ligero, inteligente y con lúcidas reflexiones.
El problema es el que siempre pueden tener estas obras que alcanzan una ligereza semejante y que tienen parte de su valor en su propia estructura: por un lado, la intrascendencia, por otro, quedarse al nivel de un bosquejo.
No. no ha sido un descubrimiento. Pero bueno, tampoco ha estado mal.
Interesante.
Ahora me queda la de Lehmann, esta vez sin fallos.

Público

sábado, 10 de junio de 2017

NOVELA: RECURSOS INHUMANOS de Pierre Lemaitre

Alfaguara
400 páginas
También disponible en ebook

Ya desde su título, esta novela deja clara su posición.
Posiblemente podríamos definirla como una obra coyuntural, pegada a la crisis económica que Europa sufre desde hace una década. Especialmente , las consecuencias en el empleo y en el cambio de concepción actual frente al "trabajo para toda la vida", y, envolviéndolo todo, la falta de valores que posiblemente haya sido tanto causa como efecto.
Lemaitre es un buen escritor y como ha demostrado sobre todo en su saga del agente Verhoeven, un escritor efectista que sabe como dosificar tanto la información como los sucesos.
Por ello, no debemos de pensar en Recursos Inhumanos como una crónica realista del antaño directivo de éxito y hoy parado de larga duración, aunque en el principio pueda parecer que eso es lo que nos va a ofrecer.
Lemaitre es un buen escritor de género negro y eso implica entretenimiento y emoción. Ambas características están aquí, para configurar un thriller perfectamente reconocible en el esquema más clásico de justicia social.
La novela está claramente dividida en tres partes:
La primera es la más realista, la que podría haber sido extraída de cualquier periódico. La tragedia de un hombre que ha perdido el sentido de su vida y la repercusión en su familia, Cuando parece aparecer una oportunidad, todo se focaliza en esta, incluso cuando parece no ir más allá de una broma cruel. Esta bajada a los infiernos tiene total credibilidad. Lamentablemente total credibilidad.
La segunda es la crónica narrada por otra voz. Casi un relato periodístico de un ejercicio de selección de personal, que termina con una toma de rehenes. Seguimos pensando que, lamentablemente, tampoco es algo que nos extrañe.
La tercera es la que conforma el thriller, aquí sí con las convenciones del género, muy bien narrado y con las sorpresas necesarias y el ánimo de justicia que cualquier lector reclamaría.
Recursos Inhumanos es una novela muy entretenida, también puede verse como base para la reflexión sobre una realidad actual. Sin grandes profundidades porque no son necesarias, la situación es clara y sus consecuencias contundentes. Todo el desorden que genera está presente, y se puede hablar de la desesperación, de la falsa valentía, de la cadena de dolor, y por último, de la confusión que nos lleva a olvidarnos de los que es verdaderamente importante.

Público

SERIE TV: ARTHUR & GEORGE de Stuart Orme

UK. 2015
Basada en la novela del mismo título de Julian Barnes.
Director.- Stuart Orme
Intérpretes.-
Martin Clunes. Arsher Ali. Charles Edwards. Art Malik. Hattie Morahan. Emma Fielding. Alan McKenna. Conleth Hill. Pearl Chanda. Hilary McLean. Matthew Marsh. Timothy  Watson
Duración.-
3 episodios
45 minutos c.u.

Recuerdo con satisfacción la lectura de Arthur and George, de Julian Barnes. Su autor pertenece al grupo de escritores británicos que, tuteados por Anagrama, publican con regularidad e inmediatez sus obras en nuestro país. Dentro de ese grupo ( en el que, como ya he comentado alguna vez, no siempre me resulta fácil en la memoria no confundir tutorías ), creo que Barnes es el que más veces vuelve la cabeza al pasado para hablar de los cimientos del Imperio y su reflejo en la actualidad.
Tengo un recuerdo bastante global de esta, pero, ya lo he dicho, satisfactorio. Creo que era una pieza amplia en sus ambiciones, conseguida. Creo recordar también que tocaba la infancia de ambos personajes y, esto es a lo mejor un error de la memoria, que la moda espiritista de la época tenía cierto protagonismo. También la tengo como una descripción muy precisa de la sociedad y sus lacras, muchas de ellas aun hoy día presentes en la isla.
Sin embargo, encuentro muy poco de ello en esta serie.
Es cierto que ya desde el principio me produjo mucha extrañeza su corta duración, cuando la novela espera las quinientas páginas.
Y es que guionista y director se centran en la peripecia dramática detectivesca, aquella que une a Arthur Conan Doyle a las actividades de su personaje, Sherlock Holmes, con un Doctor Watson de sustitución y inexplicables sucesos en la campiña inglesa que podían muy bien recordarnos a los que protagonizo el perro de los Barkersville.
Bien, no hay razón para que esta apropiación literaria reducida nos escandalice. Salvando las distancias no podemos olvidar que la alabada película Al este del Edén, ocupaba no más de un cuarto de la novela de Steinbeck.
El objetivo en este caso está claro. Desde el punto de homenaje que incluía la novela de Barnes, el director decide continuar por ese camino, y lo hace creando una aventura que , al margen de que esté basada en un caso real, podrían haber protagonizado perfectamente autor o personaje. La producción es excelente, la narrativa ágil y asoman apuntes sobre el racismo o la rigidez de la sociedad victoriana.
El resultado es tan eficaz y agradable como cualquiera de esas series de Agatha Christie que existen multiplicadas ya sea alrededor de Poirot o de Miss Marple.
Disfrutaba y de calidad. Quizás el problema sea esperar una versión de la excelente novela. Olvidando el origen es un muy buen producto, uno más dentro de un género ya habitual en la producción audiovisual británica. Modelo clásico.

Público